芝加哥Chicago学派（建筑）

19世纪以前芝加哥是美国中西部的一个小镇， 1837年仅有4000人。由于美国的西部开拓，这个位于东部和西部交通要道的小镇在19世纪后期急速发展起来，到1890年人口已增至100万。经济的 兴旺发达、人口的快速膨胀刺激了建筑业的发展。而1871年10月8日发生在芝加哥市中心的一场毁掉全市1/3建筑的大火灾，更加剧了以新建房屋的需求。 在当时的这种形势下，芝加哥出现了一个主要从事高层商业建筑的建筑师和建筑工程师的群体，后来被称作“芝加哥学派”。

芝加哥学派是美国最早的建筑流派，是现代建筑在美国的奠基者。芝加哥学派突出功能在建筑设计中的主要地位，明确提出形式从功能的观点，力求摆脱折衷主义的羁绊，探讨新 技术在高层建筑中的应用，强调建筑艺术应反应新技术的特点，主张简洁的立面以符合时代工业化的精神。芝加哥学派的鼎盛时期是1883年~1893年之间， 它在建筑造型方面的重要贡献是创造了“芝加哥窗”，即整开间开大玻璃，以形成立面简洁的独特风格。在工程技术上的重要贡献是创造了高层金属框架结构和箱形 基础。工程师詹尼（William Le Baron Jenney 1832~1907）是芝加哥学派的创始人，他1879年设计建造的第一拉埃特大厦。1885年他完成的“家庭保险公司”十层办公楼（Lnsv rancr uilding）,标志芝加哥学派的真正开始，是第一座钢铁框架结构。沙利文是芝加哥学派的一个得力支柱，他提倡的“形式服从功能”为功能主义建筑开辟了道路。

他们使用铁的全框架结构，使楼房层数超过10层甚至更高。由于争速度、重时效、尽量扩大利润是当时压倒一切的宗旨，传统的学院派建筑观念被暂时搁置和 淡化了。这使得楼房的立面大为净化和简化。为了增加室内的光线和通风，出现了宽度大于高度的横向窗子，被称为“芝加哥窗”。高层、铁框架、横向大窗、简单 的立面成为“芝加哥学派”的建筑特点。“芝加哥学派”中最著名的建筑师是路易.沙利文。

“芝加哥学派”的建筑师和工程师们积极采用新材料、新结构、新技术，认真解决新高层商业建筑的功能需要，创造了具有新风格新样式的新建筑。但是，由于当时大多数美国人认为它们缺少历史传统，也就是缺少 文化，没有深度，没有份量，不登大雅之堂，只是在特殊地点和时间为解燃眉之急的权宜之计。使这个学派只存于芝加哥一地，十余年间便烟消云散了。路易.沙利 文本人也由于任务稀少，竟致破产，于1924年在潦倒中故去。
　“芝加哥学派”的昙花一现和沙利文的潦倒而卒表明：直到19世纪末和20世纪初，传统的建筑观念和潮流在美国仍然相当强大，不易改变。然而，山雨欲来风满楼，新建筑的大潮势不可挡。
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Louis Sullivan,1856-1924 美国现代建筑（特别是摩天楼设计美学）的奠基人、建筑革新的代言人、历史折衷主义的反对者、芝加哥学派的中坚人物。
沙利文早年任职于芝加哥学派的建筑师詹尼的事务所，后赴巴黎入艺术学院，1875年返芝加哥任绘图员，1881年与艾德勒合组建筑事务所，共事14年。F·L·赖特（链接赖特）曾作为他的学徒6年。他设计的商业建筑是美国建筑史上的里程碑。
他在高层建筑造型上的三段法，即将建筑物分成基座、标准层和出檐阁楼的手法，流传很广，而且很久。他重视功能，提出“形式服务功能”的口号。他认为装饰是建筑所必需而不可分割的内容，但他不取材于历史形式，而是以几何形式和自然形式为主。他的代表作有芝加哥会堂大厦（1889）、圣路易斯的温赖特大厦（1890）、芝加哥的施莱辛格与迈耶百货公司大厦等。

毕达哥拉斯学派/Pythagorean

毕达哥拉斯学派亦称“南意大利学派”，是一个集政治、学术、宗教三位于一体的组织。古希腊哲学家毕达哥拉斯（毕达哥拉斯是古希腊著名的哲学家、数学家、天文学家。约公元前580年生于萨摩斯，约公元前500年卒于他林敦。早年曾游历埃及、巴比伦等地。为了摆脱暴政，他移居意大利半岛南部的克罗托内，并组织了一个政治、宗教、数学合一的秘密团体。后在政治斗争中失败，被杀害。）所创立。产生于公元前6世纪末，公元前5世纪被迫解散，其成员大多是数学家、天文学家、音乐家。它是西方美学史上最早探讨美的本质的学派。

提起“勾股定理”。人们便很容易与毕达哥拉斯联系起来，西方数学界一般把“勾股定理”叫做“毕达哥拉斯定理”。但据本世纪对于在美索不达米亚出土的楔形文 字泥板书所进行的研究，人们发现早在毕达哥拉斯以前1000多年的古代巴比伦人就已经知道了这个定理。而且在中国的《周髀算经》中记述了约公元前1000 年时，商高对周公姬旦的回答已明确提出“勾三、股四、弦五”。不过“勾股定理”的证明，大概还应当归功于华达哥拉斯。传说，他在得出此定理时曾宰杀了 100头牛来祭缪斯女神，以酬谢神灵的启示。缪斯是神话中掌管文艺、科学的女神。

毕达哥拉斯还是音乐理论的鼻祖，他阐明了单弦的乐音与弦长的关系。在天文方面，首创地圆说。毕达哥拉斯的思想和学说，对希腊文化有巨大的影响。

毕达哥拉斯是科学史上最重要的人物之一，他的思想不仅影响了柏拉图，而且还一直影响到文艺复兴时期的一些哲学家和科学家。

毕达哥拉斯学派很重视数学，企图用数来解释一切。他们研究数学的目的并不在于实用，而是为了探索自然的奥秘。认为数是万物的本原，事物的性质是由某种数量关系决定的，万物按照一定的数量比例而构成和谐的秩序；由此他们提出了“美是和谐”的观点，认为音乐的和谐是由高低长短轻重不同的音调按照一定的数量上的比例组成，“音乐是对立因素的和谐的统一，把杂多导致统一，把不协调导致协调。”这是古希腊艺术辩证法思想的萌芽，也包含着艺术中“寓整齐于变化”的普遍原则。他们认为天体的运行秩序也是一种和谐，各个星球保持着和谐的距离，沿着各自的轨道，以严格固定的速度运行，产生各种和谐的音调和旋律，即所谓“诸天音乐”或“天体音乐”。他们还认为，外在的艺术的和谐同人的灵魂的内在和谐相合，产生所谓“同声相应”，认为音乐大致有刚柔两种风格，对人的性格和情感产生陶冶和改变，强调音乐的“净化”作用。

他们偏重于美的形式的研究，认为一切平面图形中最美的是圆形，一切立体圆形中最美的是球形。从“黄金分割”规律获得关于比例的形式美的规律。

毕达哥拉斯学派的美学观点是客观唯心主义的，对柏拉图、新柏拉图主义及文艺复兴时期的艺术家产生了深远影响。

解构主义/Deconstruction

结构主义理论是一种社会学方法，其目的在于给人们提供理解人类思维活动的手段，解构主义实质是对结构主义的破坏和分解。解构主义是在现代主义面临危机，而 后现代主义却又被某些设计家们厌恶，作为后现代主义时期的探索形式之一而产生的。最先开始于建筑上，重要的代表人物有Frank Gehry,Bernard Tschumi,Peter Eisenman,Zaha Hadid,Daniel Liberskind,Coop Himmelblau等人。其中影响最大的是Frank O Gehry,他被认为是世界上第一个解构主义的建筑设计家。

解构主义60年代缘起于法国，雅克·德里达——解构主义领袖——不满于西方几千年来贯穿至今的哲学思想，对那种传统的不容置疑的哲学信念发起挑战，对自柏拉图以来的西方形而上学传统大加责难。

解构方法所要解构的是社会模式和大众传媒中有关性别、地位的流行套路，是 指对正统原则与正统标准的否定和批判，对待图像，解构方法企图揭示多层面的意义，按照解构主义理论，我们运用科学的符号学原理来分析图像，并且分别说明其 视觉的、文化的以及语言的意义，这一分析过程被解构主义理论家称之为解码。
1978年，朱迪丝·威廉逊(Judith Williamson)在她的著作《对广告的解码：广告中的观念形态及意义》中就用解构的方法分析广告的意义，这也是解构主义理论运用于平面设计理论分析 的最初尝试。法国社会学教授博德里亚(Baudrillard)是现代主义最著名的理论家，曾用解构主义探求广告与消费文化对当代社会的影响，他提出：我 们的文化是一个四面有镜子的房屋，其主体就是图像及映像，这些图像与映像由有关我们的信息所制造，这些信息就是我们的希望、野心、恐惧、爱慕和渴求。

解构主义最大的特点是反中心，反权威，反二元对抗，反非黑即白的理论。德里达本人对建筑非常感兴趣，他视建筑的目的是控制社会的沟通，交流，从广义来看， 建筑的目的是要控制经济，因此，他认为新的建筑，后现代的建筑应该是要反对现代主义的垄断控制，反对现代主义的权威地位，反对把现代建筑和传统建筑对立起 来的二元对抗方式。

解构分析的主要方法是去看一个文本中的二元对立（比如说，男性与女性、同性恋与异性恋），并且呈现出这两个对立的面向事实上是流动与不可能完全分离的，而非两个严格划分开来的类别。而这个的通常结论就是，这些分类实际上不是以任何固定或绝对的形式存在着的。

解构主义在学术界与大众刊物中都极具争议性。在学术界中，它被指控为虚无主义、寄生性太重以及根本就很疯狂。而在大众刊物中，它被当作是学术界已经完全与现实脱离的一个象征。尽管有这些争议的存在，解构主义仍旧是一个当代哲学与文学批评理论里的一股主要力量。

建筑理论家伯纳德 -屈米的看法与德里达非常相似，他也反对二元对抗论，屈米把德里达的解构主义理论引入建筑理论，他认为应该把许多存在的现代和传统的建筑因素重新构建利用 更加宽容的，自由的，多元的方式来建构新的建筑理论构架。他把德里达，巴休斯的语言学理论，哲学理论引申到后 现代时期的建筑理论中。

解构在建筑上：解构主义建筑师设计的共同点是赋予建筑 各种各样的一一，而且与现代主义建筑显著的水平、垂直或这种简单集合形体的设计倾向相比，结果主义的建筑却运用相贯、偏心、反转、回转等手法，具有不安定且富有运动感的形态的倾向。

解构主义建筑的特征：
无绝对权威，个人的，非中心的；
恒变的，没有预定设计（很多解构主义 建筑家甚至连完整的工程图也没有仅仅以草图和模型来设计，完全依靠电脑来归纳）；
多元的，非同一化的，破碎的，凌乱的，模糊的

另外一个重要的发展了建筑的解构主义理论的人是埃森曼。他认为无论是在理论还是在建筑设计实践上，建筑仅仅是“文章本体”（TEXT），需要其他的因素， 比如语法，语义，语音这些因素使之具有意义。他是解构主义建筑理论的重要奠定基础的人物。他与德里达保持长期的通讯联系。大量的书信往来，加深了解构主义 在建筑中的发展，应用的理论探讨水平，奠定了重要的应用基础。他们所研究的中心意义是如何通过建筑构件之间的关系，通过符号来传达的。他们认为，通过解构 主义，后现代主义的理论，意义是根本没有可能完全充分地表达的。因此他们对于理论研究，对于评论在建筑发展中的作用表示怀疑。

解构主义建筑理论的中心内容之一就是建筑的主要问题是意义的表达，而表达意义的建筑有时候是不可信赖的，有时候是会误解误译的。因此，建筑传达的意义并不 可靠，一个符号有时候会传达不同的好几个意义，这样，建筑家如何能够使他所希望传达的意义表现出来，如何能够代表社会社区表达意义呢？根据后结构主义语言 学的研究，语言是不可靠的，那么如何建立所谓的“建筑语言”呢？对于历史的态度，对于历史建筑的立场，由于语言的不可靠性，也出现了问题，那么在建筑中有 什么是真正可靠，可以传达意义的呢？这一系列问题，都是解构主义建筑家经常考虑的。

波普艺术/Popular

波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他 们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动 这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作 品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。

20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。首先出现在英国，后在美国广泛流行，它是一种以被人轻视，被艺术鄙视的俗物为对象的艺 术。这个流派标榜的正是抽象表现主义避之不及的“俗”，它的旗号是：艺术不应该是高雅的，艺术应该等同于生活。

波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国就重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来 抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由的反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为了作品材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构 思拼凑起来，使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。

波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的沿伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期 某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始 在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。

汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然意识到某些东西的 存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪·沃霍与其他波普艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的 创作主题和素材。这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推 进，它同我们生活的界限也显得愈来愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。　

美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R. 利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。
集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。

在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol，1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。

玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。

荷兰风格派/De Stijl

荷兰风格派运动(De Stijl，荷兰文，即风格之意)，主张纯抽象和纯朴，外形上缩减到几何形状，而且颜色只使用黑与白的原色。也被称为新塑造主义(neoplasticism)。 风格派正式成立于1917年，其核心人物是蒙德里安和凡·杜斯堡，其他合作者包括画家列克(Bartvan der Leck)、胡札(Vilmos Huszar)、雕塑家万东格洛(Ceorges Vantongerllo)、建筑师欧德(J．J．P．Oud)、里特维尔德(Gerrit Rietveld)等人。显然，风格派作为一个运动，广泛涉及到绘画、雕塑、设计、建筑等诸多领域，其影响是全方位的。

运动中最有名的艺术家皮耶·蒙德利安(Piet Mondrian，荷兰人，1872年-1944年)，在1920年出版了一本宣言名为“新塑造主义”(Neo-Plasticism)。画家凡·杜斯堡 (Theo van Doesburg，荷兰人，1883年-1931年)在1917年至1928年出版了名为《De Stijl》的期刊，传播风格派的理论。期刊同时还包括画家乔治·万顿吉罗(George Vantongerloo，比利时人，1886年-1965年)、建筑师奥德(J.J.P Oud，1890年-1963年)和格里特·里特维尔德(Gerrit Rietveld，荷兰人，1888年-1965年)。
风格派的闻名遐迩与凡·杜斯堡的大力宣传也是密切相关的。这位自学成才且兴趣广泛的艺术家虽然在绘画上没有太多惊人的天赋，但却是一个极有号召力的理论 家、演说家和宣传家。他在战争以后遍游欧洲大陆，通过演讲和宣传，使风格派的美学思想传遍欧洲各地，De Stijl的作品对包豪斯和世界设计风格产生了重要的影响。

蒙德里安及其伙伴们的艺术理念和艺术实践有一个重要的宣传阵地——《风格》杂志。这份有影响的评论杂志自1917年6月16日创刊以来，为风格派的思想传 播和作品汇合作出了很大贡献，风格派的名称亦源自于它。该杂志由凡·杜斯堡负责编务工作，蒙德里安是它的明星。直至1924年，《风格》杂志一直是新造型 主义的重要舞台。随后，杜斯堡放弃了新造型主义的严格造型原则，而发表了基本要素主义(elementalism)宣言。他把矩形构图倾斜45度角，以追 求一种更有动态的表现形式，这种斜线造型显然与蒙德里安所主张的直线相背离。同时， 《风格》杂志还发行增刊向达达开放。随着阿尔普等人的加入，该团体变得松散而庞杂。这种“歪门斜道”惹恼了蒙德里安，于是，他在1924年在《风格》杂志 发表最后一篇文章以后，便与之分道扬镳。以后的日子里，蒙德里安一如既往地探索新造型主义，直至离世；杜斯堡则去搞他的基本要素主义实验。1928年， 《风格》杂志停刊。1931年，杜斯堡去世，杜斯堡夫人为纪念丈夫，于1932年出了最后一期专刊。不可否认的是， 《风格》杂志对欧洲前卫艺术有过重要的影响。


一战期间，荷兰作为中立国而与卷入战争的其他国家在政治上和文化上相互隔离。在极少外来影响的情况下，一些接受了野兽主义、立体主义、未来主义等现代观念 启迪的艺术家们开始在荷兰本土努力探索前卫艺术的发展之路，且取得了卓尔不凡的独特成就，形成著名的风格派。

风格派从一开始就追求艺术的“抽象和简化”。它反对个性，排除一切表现成分而致力探索一种人类共通的纯精神性表达，即纯粹抽象。艺术家们共同关心的问题 是：简化物象直至本身的艺术元素。因而，平面、直线、矩形成为艺术中的支柱，色彩亦减至红黄蓝三原色及黑白灰三非色。艺术以足够的明确、秩序和简洁建立起 精确严格且自足完善的几何风格。对于风格派的这种艺术目标，蒙德里安更喜欢用“新造型主义(Neo-plasticism)”一词来表达。

风格派的艺术实践是多 方面的。除蒙德里安在绘画领域取得的无以伦比的成就外，里特维尔德在建筑方面也获得了令人瞩目的进展。他所设计的席勒住宅展示了风格派建筑的典型特征。他 还设计过一把红黄蓝三原色椅子，虽然坐上去不太舒服，但充分体现了风格派的造型原则。万东格洛则以简洁的空间造型《体积关系的构成》来诠释新造型主义在雕 塑领域的实践。

从20世纪20年代起，风格派就越出荷兰国界，成为欧洲前卫艺术先锋。其美学思想渗入各国的绘画、雕塑、建筑、工艺、设计等诸多领域，尤其 对现代建筑和设计产生了深远影响。

构成主义/Constructivism

构成主义又名结构主义；发展于1913~20年代。构成主义是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合成的雕塑。强调的是空间中的动势(movement)，而不是传统雕塑着重的体积量感。构成主义接受了立体派的拼裱和浮雕技法，由传统雕塑的加和减，变成组构和结合；同时也吸收了绝对主义的几何抽象理念，甚至运用到悬挂物和浮雕构成物，对现代雕塑有决定性影响。

1913年，塔特林在莫斯科制作并展出了构成作品《悬挂的木与铁的形体》，波丘尼曾画过类似的东西。同时，塔特林杜撰了“构成主义”一词。作品和词都源于拼贴 向三维的发展，因为塔特林曾在巴黎参观过毕加索的工作室。毕加索致力于立体主义时偶尔也接触一下没有主题的艺术。使用术语“非客观主义”的是罗德琴柯，他 是塔特林的同事。他用圈和直线组成一幅作品，不过，只能算是对欧几里得几何构成的模仿。

构成主义对于工业设计的重要意义为：他们的目的是将艺术家改造为「设计师Designers」。但是这是以我们现在可以理解的语句所言，事实上，在当时「设计Design」的观念仍未成形，当今所谓的设计的意义并未充分浮现，因而他们采取不同的说法：「生产艺术Production Art」。

俄国构成主义者高举着反艺术的立场，避开传统艺术材料，例如油画\颜料、画布，和革命前的图像。因此，艺术品可能来自于现成物，例如：林材，金属，照片，或者纸。艺术家的作品经常被视为系统的简化或者抽象化，在所有领域的文化活动，从平面设计到电影和剧场，他们的目标是要透过结合不同的元素以构筑新的现实。

虽然所有的前卫俄国艺术家有着共同的热情，但是他们对于新共产主义社会里的艺术家和艺术的角色却有不同的观点。在革命后早期，他们充满热情的辩论，刺激出构成主义的不同的意识型态：
在一方面是「纯粹主义者」的马勒维其(Malevich)，康丁斯基(Kandinsky)，和佩夫思那(Pevsner)兄弟。他们争辩说艺术基本上是一个精神上活动，它的工作是为了要整理出人对世界的洞察。尤其是马勒维其，他宣称工业设计不可避免地取决于抽象性的创造。而且它是「个二手(再造)活动，它取汲于对当代环境的研究而将之理想化的描绘出来。」对马克思主义者而言，因为这些艺术家不认同产品主义者的观点，这种主张导引出与社会的真实生活脱节。

相对于「纯粹主义者」的观点，是塔特林 (Tatlin)和热切的共产主义者罗钦可(Rodchenko) ，他们坚持艺术家必须成为技术纯熟的工匠，他必须学习用现代工业生产的工具和材料，提供他的热情与能力，直接为无产阶级的最大利益服务。这些「艺术家/工程师」必须为生活本身带来和谐，把工作转变成艺术，将艺术转变成工作。这边的论点成为构成主义的主流。

马克思主义关于艺术和文化的理论决定了构成主义的内容。这些论述围绕在政治动机与风格。
构成主义者认为：所有艺术家应该「进入工厂，在那里才有真实的生命。」艺术同时也将为构筑新社会而服务。

因此，传统提供愉悦经验的艺术概念必须被抛弃；取而代之的是大量生产和工业，这与新社会和新政治秩序是密不可分的。这些清楚的政治动力造成马克思主义理论的实践。例如塔特林为某类型的热炉发明和建造不同的设计，意图以消耗最小量的燃料而输出最大的热值。而热炉在当时普遍贫困的民间是非常普遍的用品，甚至有人拆掉家具充当燃料。马克思主义意识型态在设计上的另一个展现是罗钦可的「工人俱乐部The Workers' Club」，在1925年的巴黎艺术与工业国际博览会的俄国馆中展出。这是最早的构成主义者室内环境设计的尝试之一。工人的俱乐部的概念在二十年代出现了，作为「共产主义生活模式的中心」，不只是要提供一个政治活动的空间，它也必须提供娱乐和休闲。如果可以的话，俱乐部必须展现出新生活将会如何。依照罗钦可的意识型态概念，俱乐部应该是构成主义设计原则的实务示范。

表现主义/Expressionism

表现主义 是二十世纪初欧洲（主要在德国）的文艺思潮和运动，在美术中有鲜明的反映。(???表现主义的出现时间，有两种说法：一种认为是1901年法国巴黎举办的马蒂斯画展提出来的；一种认为是1911年德国《暴风雨》杂志的绘画评论上提出来的。)但无论哪种说法，有一点是共同的：它首先出现于绘画，以后才慢慢地渗入到音乐、文学、戏剧以及电影等领域中去。???德国《狂飙》杂志的编辑瓦耳登在1911年首次使用表现主义来称呼柏林的前卫派 作家，不久被广泛使用。实际上，在美术中最早的表现主义社团从1905年即已开始。该派从主观 唯心主义出发，强调表现自我感受和主观 意象，以过份夸张的形体和色彩发泄内心 的苦闷。

表现主义是从印象派演变、发展而来，是对印象派忠实地描绘现实的悖逆(反对 印象主义、象征主义、又与印象主义和象征主义在某些方面溶合的流派。)。同时，它和德国历史上的民族传统有内在的联系，它继承了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在造形上追求强烈的对比、扭曲和变化的美。

它的主要特征表现在：

1. 直接表现真正的、永恒的本质，不是以外在现实形象，而是以 幻想重新创造一个世界图象；
2. 以幻象来表现感情，将感情化为幻象；
3. 否定人物性格和个体的描绘，代之以某个感情或观念的代称或符号， 从内在和自我创造形象。
   

直接对表现主义产生影响的是挪威画家孟克（E.Munch， 1863～1944），幼年时丧母，姊、妹又得精神病，对其一生的创作有深刻的影想。他曾留学法国学画，看过梵谷和高更的作品，开始探索激烈色彩和扭曲线 条的可能性，以表达焦虑、恐惧、爱及恨等心灵状态，一生创作最主要的两个题材是「死亡」和「爱情」。1892年在德国柏林美术家协会举办展览，对当时德国 青年画家刺激很大，推动了表现主义运动的产生。代表作有《生命之舞》（1899-1890，奥斯陆国家画廊）、《春情》（1895，奥斯陆国家画廊）、 《吶喊》（1893，奥斯陆国家画廊）。

被称为表现主义先驱的是诺尔德（Emil Nolde， 1867～1956）。代表作如《钉死于十字架》（1919），接近表现主义的画风；且十分狂热的还有法国画家弗拉曼克（M.de Vlaminck 1876～1958）。代表作如《河流》（1910，华盛顿国家画廊）。他们是从写实主义、印象派和后印象派的影响走向表现主义的画家，在作品中注意表现主观的内心感受，追求强烈的形式感。

代表人物：孟克(Edvard Munch,1863-1944)
诺尔德(Emil Nolde,1867-1956)
鲁奥(Georges Reault,1871-1958)
缪勒(Otto Muller,1874-1930)
马尔克(Franz Marc,1880-1916)
夏卡尔(Mare Chagall,1887-1985) 等。